照片级写实渲染的 5 大艺术法则

1. 探索创意照明

"伟大的美国摄影师 Ansel Adams 说："你不是在拍摄照片，而是在制作影像。摄影即是"真理 "的想法是个强大又疯狂的误解，必须摆脱这种成见。多观察专业摄影师在室内、汽车或人像拍摄中使用的灯光数量。试着找到你所欣赏的电影场景的灯光设置的图片。把摄影看作是构建的过程，是理解写实渲染的创意潜力的第一步。

像画家一样使用灯光。把光源放在你想让观众看的地方，把灯光从无助于阐明概念的地方移开。试验多盏灯光之间的平衡，并测试其色温与层次。将光线、信息和构图视为一件事。优秀的 CG 艺术家会避免沉闷又直白的写实主义--如同专业摄影师那样。

2. 要使你的灵感来源多样化

创作影像并不一定是轻松的谋生方式，尽管创作会有很大的回报。维持灵感是需要努力的。

把灵感想象成容器。进入这个容器的东西是非常个人的。可能是丹麦家具设计，现代主义文学，时尚摄影，或 70 年代的概念艺术。身为艺术家，你必须不断填充这个容器。在你眼前的 CG 渲染世界之外寻找灵感的来源。唯有追寻那些真正打动你的东西，你才能确实找到自己的艺术风格。

当你开始创作自己的作品时，你只需要从容器中倒出一点。即使是在看似乏味的工作中，也总是有空间去尝试新的东西，从中突破界限，发现美感。

3. 练习批判性的观察

批判性地看待摄影。像所有的视觉艺术形式一样，都有其语言、微妙之处，以及话语权。观赏电影来学习创意照明。看看黑白摄影的早期先驱，学习构图。拍摄您自己的照片。您对摄影成就的认识越广泛，自己 CG 作品的潜力就越大。如果你不能想象出好的画面，那么就不能制作出好的作品。

观察光线。希望你有过这样的经历：被出乎意料的、不寻常的美丽光线所吸引而驻足，却发现和你在一起的人并没有察觉。如果你没有这样的经验，那就再仔细看看。

4. 要有清晰的方向

任何诱人的影像都只是个起点。但要小心：这可能会导致浪费时间在单薄的图像上。在开始制作之前，需要明确作品的方向，并据此指导每个创意决策。

始终以明确的客户需求开始，您需要帮助客户阐明他们想要表达的概念。对于个人作品，要澄清想法。风格强烈的艺术可清楚地表达一两件事；不成熟的艺术则试图谈论一切。

你还应该收集视觉参考数据。情绪板是从文字到图片转换的第一步。情绪板可帮助定义光线的质量、调色板或气氛。还可协助探索背景概念以及视觉演进。你有全世界的设计和影像制作的历史可借鉴。灵感可能在不可思议的地方涌现。

5. 形成强大的构图

比如说，在伦敦，每天拍摄出多少照片？很多。有多少张是真正优质的？非常稀少。伟大的作品之所以伟大是其清晰性暨构图的精炼性。

构图是隐藏的语言：形状的模式，明与暗的相互作用，线条和颜色的使用。要学习更多关于构图的知识，要认真研究伟大艺术家的作品。那些名作是如何使用不安分的对角线来唤起混乱的战场，如何使用色调模式来迫使你的眼睛专注于焦点，如何利用颜色来表达主题的情感状态？有些人觉得构图很容易。其他人则必须努力才能做出好的构图。

您可能会好奇，究竟是什么促使我汇集艺术法则并将其付诸实践？

Creative Lighting 的故事

我在伦敦 Cityscape Digital 公司担任 CGI 总监时创立了 Creative Lighting。我与 Cityscape 的创意总监 Damian Fennell 一起密切关注这个议题，我们在 2015 年推出了这个品牌。我们对照明的热情和制作瑰丽、卓越的影像的企盼，促使我们创建了 Creative Lighting。

首先，我们在电影摄影中探索灵感，花了一年时间分析电影，特别是 Roger Deakins 的作品。经过广泛的研究、Pinterest 参考图板、草稿和许多 3D 测试，公司内部的研讨会就诞生了 – 主题是《Creative Lighting vs. Mundane Realism》。从那时起，这个美感哲学就拥有了自己的生命。

我们的理念

Creative Lighting 是影像制作的哲学，将光线视为影像的主要力量。在这里您可学习如何像摄影师或电影摄影师那样看待和思考光线，并像画家那样学习影像制作的工艺。这是偏向于艺术家的视觉而非技术知识的影像制作方法。